ROMPER EL PROPIO MOLDE

MARCOS PIN TRÍO, A Week Ahead (2024)

Marcos Pin no es solo uno de nuestros guitarristas favoritos sino también un compositor inquieto y nada complaciente que mira siempre más allá, disco a disco. Su versatilidad le permite publicar álbumes de puro hardbop (Broken Artist, de 2016), llenos de fusiones (The Door o You Waited For It, ambos de 2022) o líricos e intimistas como Óstraka (2019), inspirado en un poemario de Luis Valle... pasando por experimentos en discos a dúo, cuartetos con cuatro guitarras o formatos grandes (como los diez músicos de Factor E-Reset), donde sus partituras muestran un mensaje diferente. Esta exuberancia creativa le obliga a veces a firmar con seudónimo (suele ser Marcos Stilton en algunos discos). Pues bien, toda esta versatilidad se amalgama en su nuevo álbum a trío, A Week Ahead, en el que encontramos desde momentos líricos hasta experimentaciones de todo tipo (atonalidad, free, juegos de ritmos inusuales...).

Estas composiciones acompañan la historia de alguien que emprende la difícil tarea de sacar un trabajo creativo semanalmente, dice en las notas del álbum.

Estructurado conceptualmente siguiendo los días de la semana, el álbum comienza con una intro lacónica y e intimista de Marcos, que se apoya en una percusión sutil (Sergio González). Todo sugiere  un discurso único pero el saxo (Pablo Castaño) irrumpe con su propio mensaje y el tema, minimalista, nos traslada a una atmósfera donde el diálogo entre los miembros del trío avanza con tensión contenida. La intervención final de la guitarra, improvisando en las notas más bajas es muy original, y nos devuelve al principio, dando sentido (circular) al tema. 

Con un comienzo tan rompedor (incluso para el siempre inesperado Marcos Pin), el oyente se queda con hambre de saber de qué va el álbum, y se va encontrando con temas líricos, gozosas improvisaciones de sonoridades acústicas ("This New World"), juegos rítmicos donde guitarra y saxo se divierten al unísono (""We Wed Weed" o "Sat 02 32", donde Castaño aprovecha para salirse de los cánones derivando hacia el free más crudo, baladas de gran belleza como "Sunday's Here" con un Castaño delicado en las líneas melódicas o "A Whole Life", que es todo un solo de guitarra técnicamente perfecto, también baladas no exentas de aventura sonora ("She Left On Tuesday"), virtuosismo en solitario ("Jump On It", cargado de blues), libertad, filosofía cambiante, atmósferas desconcertantes con melodías sugeridas pero nunca concluidas... El final minimalista redondea al álbum volviendo al comienzo ("Redial").

Con un diálogo constante entre los tres instrumentos y solos complejos (especialmente en el saxo, que roba protagonismo a la guitarra en este disco), Marcos Pin rompe una vez más su propio molde y desarrolla en A Week Ahed una narrativa experimental que no le habíamos escuchado antes y donde consigue, pese a lo sorprendente, abarcar un espectro de sonoridades que transmiten emociones, en algunos momentos las emociones de un bebop cercano al free jazz pero emociones, que es de lo que el jazz, al fin y al cabo, se trata. 

* Foto. Rafa Pasadas (www.rafapasadas.com)

* Más info: marcospin.bandcamp.com

JAZZ MODERNO A LA ANTIGUA USANZA

JEPPE ZACHO, Introducing (April Records, 2024)

El saxofonista Jeppe Zacho habla el lenguaje de los tenores modernos herederos del bop de Coltrane y Dexter Gordon. Zacho es un músico, compositor y educador danés que comenzó a tocar el saxofón a la edad de 15 años por consejo de su padre. Además de su labor educativa, toca en diversas formaciones y big bands (Jazz Five, Dixie For You, Jack Street, The Big Band, The Counterfictionals) pero en su disco de debut, que tiene como objetivo indagar en las posibilidades del hardbop, se presenta en formato de quinteto con piano: Jonas Due (trompeta y fliscorno), Thomas Bornø (piano), Anders Fjeldsted (contrabajo) y Henrik Holst Hansen (batería). En dos de los temas ("Soldado Leal" y "El Bravado") Eliel Lazo pone el toque latino a las congas. 

Descrito en las notas del álbum como “jazz moderno a la antigua usanza”, el disco se mueve en un ambiente atemporal y gozoso, lo que no significa que eluda la complejidad. Hay un tema, por ejemplo, compuesto en fa menor, algo no muy común. ¿El objetivo? Salir de la zona de confort buscando obstáculos que le obliguen a explorar nuevos caminos siguiendo el concepto filosófico del soldado leal. El resultado es una seductora composición llena de cambios que contrasta con el potente tema inicial ("Self-Express"). 

En general, el disco presenta colores muy distintos, mostrando a un compositor con una visión bastante amplia del hardbop y muy buen gusto para confrontar armonías. Temas inspirados en Cuba o en lo que se llamó Cu bop ("El Bravado") o baladas en las que el tenor habla con un sonido pre-bebop para narrarnos con delicadeza una historia de amor ("The Sweet One") son muestras de su versatilidad, pero también de una preferencia por el jazz que explora sin romper las normas, lo que facilita la escucha y enamora al aficionado. El disco comienza con "Self-Express", donde se inspira en un clasico ("Express Yourslef" de Charles Wrigh & the Watts 103rd Street Rhythm Band). Zacho le da forma a lo Ornette Coleman, con una improvisación muy abierta, y termina con "Bülow's Way", una composición en la que homenajea a una antigua profesora utilizando su estilo. 

Todas estas facetas del hardbop marcan la filosofía personal y personal de un músico con identidad que se presenta ahora con su nombre en la portada pero cuya experiencia queda clara a lo largo del disco. Muy recomendable. 

* Más info: https://jeppezacho.dk

UN JAZZ CÓSMICO

COSMIC EXPRESS QUINTET, V​å​ren är V​å​r (Loumi, 2023)

Imaginen un jazz a caballo entre el cool y el postbop. Añadan un toque avant-garde aquí y allá, mucha improvisación a partir de bases modernas... El cóctel resultante podría definir el jazz del quinteto Cosmic Express, formado en Estocolmo por Ima Baeza Bilgin (pianista y compositora de todos los temas), Isak Ingvarsson (saxo tenor), Benjamin Löfgren (trompeta), Olle Lannér Risenfors (contrabajo) y Johan Förnell (batería). 

Con un comienzo evocador y casi cinematográfico, el álbum entona un tema lleno de resonancias de Weather Report y otros grupos electrónicos de los 70s, pero no hay electrónica detrás del quiniteto, solo una filosofía ecléctica que nos regala sonoridades llenas de intenciones. "Exploration" es un tema casi ambiental, donde la melodía no progresa pero la intensidad sí. La base rítmica es casi drum'n'bass durante el solo de saxo, para después explotar en una calma que (casi) nos recuerda al Miles Davis de los 80...

Cosmic Express Quintet fabrica un jazz inspirado y moderno donde caben desde el expresionismo de atmósferas relajadas ("Ode To Love", con un delicado solo de Löfgren, o "Too Far Away"), atmósferas crípticas ("Isolation 19"), temas llenos de tensión ("Our Burning House"), pasando por momentos con solos clásicos, reconocibles, hasta pasajes atonales y realmente rebeldes, todo ello con muchos solos y grandes dosis de improvisación. Todo muy emocional y fresco. El tema que da título al álbum ("V​å​ren är V​å​r") es una falsa balada donde los evocadores vientos, la delicadeza del contrabajo y las notas impresionistas del piano  nos llevan a creer que estamos ante un simple tema ambiental, para después desembocar en un solo de piano clásico sobre una deliciosa base de walking bass... hasta que el resto de los solos nos recuerda que estamos ante un disco de jazz moderno. 

Así es el álbum de presentación de Cosmic Express Quintet, una amalgama de clasicismo y rebeldía que mira siempre hacia delante, hacia ese camino donde el jazz moderno hace posible cualquier armonía, eso sí, partiendo de una base con inspiración y buenas ideas. 

* Más info: loumirecords.com/product/varen-ar-var/

REIMAGINANDO A MOMPOU

JULIÁN SOLARZ GRUPO, 

Resonancia, Música de Frederic Mompou (Microscopi, 2023)

El argentino Julián Solarz es pianista, percusionista, compositor y arreglista. Alumno de, entre otros, de Guillermo Klein, ha dedicado buena parte de su carrera a la investigación, en especial en las conexiones del jazz contemporáneo con el folkore, ya sea argentino o afroamericano, así como su influencia en la música académica del siglo XX. En este apartado, llega a Federico Mompou, que es, tras Erik Satie, el compositor "culto" más versionado (y de una manera más interesante) por los músicos de jazz. Lo curioso es que Satie era la principal influencia de Mompou, cuyas piezas, habitualmente breves e íntimas, beben del minimalismo impresionista del francés. 

Julián Solarz (Buenos Aires, 1977) retoma algunas piezas de Mompou buscando su conexión con el jazz (en las composiciones de Mompou hay mucho de improvisación) y encontrando la manera de orquestarlas para un sexteto de jazz. Julián Solarz ha sido compositor y arreglista de la Orquesta Sudamericana, ha participado en numerosas formaciones y ha publicado dos álbumes anteriores: "Tiempo vaivén", a dúo de piano y voz con la cantante Analía Sambuco, y "La palabra no dicha", a sexteto, donde presentaba composiciones originales y un primer acercamiento a Mompou, con el arreglo de una pieza ("Música callada, nº 6").  

En Resonancia, el piano cede el protagonismo a otros instrumentos, lo que resulta paradójico en un disco de un pianista que versiona a otro pianista. Solarz ejerce casi todo el tiempo como compositor y sabe jugar con las tímbricas del grupo para aportar una dimensión más amplia a estas piezas. Se puede escuchar desde el tema inicial ("Música callada nª 1"), que comienza con clarinete y percusión (Solarz también es percusionista y da mucho protagonista a la batería de Carlo Brandán en este disco) hasta temas donde los vientos (también Lucas Goicoechea en el saxo alto) armonizan sin abandonar las atmósferas minimalistas. La guitarra (Juan Filipelli) también tiene su propio discurso en la lírica "Música callada nª 9". Solo en algunos momentos Solarz "reclama" el protagonismo del piano (como en las músicas calladas 9 y 11, por ejemplo), pero es solo una excusa para llevar al grupo al punto adecuado. 

A pesar de la metamorfosis a sexteto, de la adaptación al lenguaje del jazz con toques de tango y música afroamericana, Julián Solarz consigue reproducir la intención intimista y meditativa de Mompou en estos temas, consiguiendo un jazz de gran belleza y de interés musicológico. Un disco contemporáneo, inteligente y recomendable. 

* Más info: www.microscopi.cat

AQUELLOS TIEMPOS DE HODGES CON DUKE

OWEN BRODER, Hodges: Front and Center, Vol. 2 

(Outside in Music, 2024)

Nos vuelve a sorprender el lenguaje clásico, limpio y perfeccionista de Owen Broder, un saxofonista que ya nos sedujo con su primer álbum homenaje a Johnny Hodges titulado Front and Center, Vol. 1, y que ahora vuelve con un nuevo volumen, en el que explora aquellos maravillosos años en los que Hodges participó en la orquesta de Duke Ellington conformando una de las simbiosis más celebradas de la Historia del Jazz.

En este segundo volumen vuelve a grabar en quinteto con el trompetista Riley Mulherkar (The Westerlies, Dave Douglas), la pianista Carmen Staaf (Dee Dee Bridgewater, Allison Miller), el bajista Barry Stephenson III (Jon Batiste, Jamison Ross), y el baterista Bryan Carter (Wynton Marsalis, McCoy Tyner).  Broder toca los saxos alto y barítono en este ejercicio de nostalgia que recorre temas de la época ellingtoniana de Hodges, tanto en la orquesta como algunos temas de su participación en grupos de menor tamaño.

Tema a tema, Broder hace suyo el estilo de Hodges, su timbre y su tonalidad, su descaro a la hora de hacer ese swing atemporal que sonaba en su saxo alto ("Back Beat"), su estilo melódico ("Wabash Blues") y su manera de hacer swing con un sentido lírico que fluye por encima de lo meramente rítmico. Pero lo que diferencia este álbum de la primera entrega es que pone el foco en las composiciones de Johnny Hodges. Aquí cuatro de los ocho temas están compuestos por Hodges, con su particular gusto por el blues, los riffs... Los temas son "Back Beat" y "Shady Side", dos temas que aparecieron en Gerry Mulligan Meets Johnny Hodges (1960), temas en los que Broder hace un doble homenaje tocando el saxo barítono; "Big Smack" (compuesto por Hodges y Ben Webster) y "Used To Be Duke", escrito por Hodges durante su ausencia de cinco años de la orquesta de Duke pero publicado en 1956, tras su retorno.

Foto: Adrien H. Tillman

Un disco para disfrutar, no tanto de la nostalgia como de la (feliz) idea de que el jazz de Duke y de Hodges no ha muerto. Tanto si este Front and Center, Vol. 2 nos arrastra a lo profundo de nuestra discoteca personal a buscar algún disco de la Duke Ellington Orchestra donde aparezca Hodges como si nos quedamos escuchando a Owen Broder, la diversión está asegurada. 

* Web: www.owenbroder.com

* Outside in Music: www.outsideinmusic.com

UN NUEVO DÍA

O SISTER!, Brand New Day (Happy Place Records, 2024)

Desde aquel Crazy People, primer álbum de O Sister! han pasado 15 años. El grupo, formado por Helena Amado, Marcos Padilla y Paula Padilla (voces), Matías Comino (guitarra y banjo), Camilo Bosso, (contrabajo) y Pablo Cabra (batería), ha sabido continuar con la filosofía inicial de hacer buen jazz vocal, divertido y a la vez complejo, para desembocar en este brillante sexto trabajo. Si la inspiración inicial de O Sister! fueron las Boswell Sisters, han ido evolucionando  (sin perder esa estética de los años '20) hacia trabajos con temas originales (Stompin' in Joy, de 2016, fue el primero) hasta llegar a Brand New Day, donde todas las composiciones son propias.

Para ello se enclaustraron, como los grupos de rock millonarios, en un estudio para garantizar el flujo de ideas. La grabación se realizó en septiembre de 2023 en Garate Studios, en Andoain, con Jordi Gil como productor y Javier Mora como técnico de sonido. Cabe destacar que Javier Mora es el técnico de sonido directo de la banda, porque el disco se grabó en directo, a la antigua usanza, en acústico y sin auriculares, captando esa energía del grupo que tanto nos seduce. Además del sexteto habitual, ha colaborado The Horn Department, que son Julien Silvand (trompeta), Juli Aymí (clarinete y saxo alto) y Carlos Santana (trombón y Rhodes, todo un descubrimiento). 

12 composiciones propias de 12, como dice la nota de prensa, en las que profundizan en ideas además de en su habitual virtuosismo en los arreglos y en las armonías vocales (!). Ideas que hablan de gentrificación, de género, de problemas sociales, migración..., todo ello con su habitual humor, que hace que su sensibilidad llegue más directa a la emoción (¡esa conmovedora nana que cierra el disco!), y alternando por primera vez temas en inglés con temas cantados en español (la divertida "Carantoñas" y la sentimental "Diciendo adiós"). Todo un nuevo desafío, de ahí que podamos decir, al mismo tiempo que el grupo, que Brand New Day supone un renacer, un nuevo día (de ahí el título) con una perspectiva renovada, para O Sister! y para los amantes al buen jazz vocal.

El disco se presenta en la Sala Villanos (antigua Sala Caracol) los días 4 y 5 de abril. 

* Web: https://linktr.ee/osisterjazz

* Foto: Juan Luis Morilla.

CRISÁLIDA

EVA VERDE & DANILO TARSO, Chrysalis (Microscopi, 2024)

La crisálida del título es la metáfora del cambio y del desarrollo; en este caso, de dos músicos (la vocalista Eva Verde y el pianista Danilo Tarso) que presentan en Chrysalis una ecléctica amalgama de canciones que van desde la sensibilidad rítmica y poética de Cole Porter, pasando por Antonio Carlos Jobim o canciones tradicionales italianas hasta temas originales escritos en italiano, catalán e inglés. Una mezcla aparentemente heterogénea que, sin embargo, encuentra un estilo propio, homogéneo, en la combinación de voz y piano a lo largo de todo el álbum.

Los dúos de este tipo siempre son arriesgados. La voz suena más desnuda sin un grupo detrás, con el simple apoyo de un instrumento armónico pero único. Eva Verde lo solventa con personalidad y fuerza (fuerza también en la ternura de temas como la canción tradicional salentina "Bella ci dormi") o en juegos musicales como "Potser una papallona" o "Nunca es como parece", y temas donde vale la pena escuchar a Eva Verde mostrando una potencia emocional ("So In Love" de Cole Porter) mientras el piano ofrece su delicado contrapunto...

Foto: Laura Soriano

Danilo Tarso, pianista y compositor, fue el ganador en 2019 del Premio Lelio Luttazzi como mejor joven pianista de jazz italiano. Comenzó a estudiar piano a los trece años y se graduó en el Conservatorio "Giovanni Paisiello" de Taranto con matrícula de honor. Más tarde descubrió el jazz y la improsisación, y terminó sus estudios en la Siena Jazz University. Ha tocado con Logan Richardson, Joe Sanders, Nasheet Waits, David Krakauer... Entre sus trabajos discográficos destacan Locomotive Young Jazz Live Compilation (2015), Playing chess keyboard (2019), Coaction (2020), Still we dream (2023)... Actualmente, mantiene varios proyectos (Pianeta Solo, en solitario; Still We Dream, con Donatella Montinaro; y Terrestre, con Beatrice Arrigoni Cuarteto). 

Eva Verde es una habitual de la escena musical barcelonesa, donde actúa con músicos como David Xirgu, Demian Cabaud, Chino Swingslide, The Summer Lovers, Piero Frassi, Eddie Mejía... Comenzó a estudiar piano clásico a los cinco años, y posteriormente flauta, canto coral y lenguaje musical en Sant Andreu. Recibió una beca para cursar estudios superiores en el Conservatorio de Música del Liceo de Barcelona dentro de la modalidad de Cante Jazz y Música Moderna, estudios que completó en Italia, en la Academia Nazionale de Jazz (SJU) con profesores como Gerald Clayton, Michael Kendrick, Jason Palmer... Ha grabado varios discos, como Folc a l'estudi (2020), con dieciocho composiciones originales, y Unexpected (2020). Conoció a Danilo Tarso durante su residencia en Italia, donde surgió este proyecto. 

Chrysalis contiene una amalgama de temas que se escapa a menudo del marco del jazz, pero que merece la pena escuchar por su colorista versatilidad y por lo que estos dos músicos son capaces de ofrecer en sus respectivos instrumentos. No todo es jazz en toda la extensión de la palabra, pero son dos músicos que sorprenden, y eso es mucho decir. Como canta Eva en una de sus canciones (con música de Tarso), "Hay cosas que, por suerte, no son lo que parecen". 

* Web: www.microscopi.cat/eva-verde-danilo-tarso

PIEDRA DE LUNA

VIBE featuring Félix Rossy, Moonstone (Underpool, 2023)

Nacido como un cuarteto, el grupo Vibe presenta su tercer álbum con la complicidad del trompetista Félix Rossy, que ha demostrado en sus discos anteriores (como líder y como colaborador) un gusto más que elogiable por el jazz clásico y sus posibles innovaciones. Hace unas semanas lo escuchábamos en el álbum Warmi de Andrew Baker, Aquí, con Rossy como invitado, el cuarteto formado por Benedikt Jäckle (saxofón), Leandro Irarragorri (piano), Calvin Lennig (bajo) y Jonas Kaltenbach (batería) presenta una serie de temas originales en un marco cercano al hardbop pero con un espíritu rompedor y más europeo. A Jäcklem, Irarragorri y Kaltenbach los hemos escuchado juntos con anterioridad en una propuesta muy diferente, más progresiva y vanguardista llamada Neobiont. Aquí, sin embargo, se fusionan con una compenetración muy fluida para hacer un jazz más clásico pero no exento de riesgos y contemporaneidad. 

"Moorea" y "Erens Vision" podrían ser un buen ejemplo de esto. Con toda la sección rítmica desarmando un ritmo clásico, los chorus (y solos) de Rossy y Jäckle, llaman a la tradición y la traen a la modernidad. "Tribute" (compuesto por Irarragorri) es quizás el tema que (estéticamente) más nos lleva al hardbop, pero es solo un espejismo: estos músicos han visto el siglo XXI y lo viven. A partir de "MW" todo es una fusión entre esa tradición y las corrientes contemporáneas que admiten otro tipo de ritmos menos jazzísticos, también menos orgánicos pero más libres. En el especulativo "Moonstone" (compuesto por Rossy) buscan cierta disonancia en una melodía que no termina de construirse y deconstruirse, lo que aporta al tema una tensión inesperada en lo que, de principio, parecía una balada. 

Este sonido tan personal del quinteto se basa en temas compuestos por los miembros del grupo, temas sobre los han trabajado en directo desde comienzos de 2022 para terminar dándoles forma en el Underpool Studio. Un disco realmente recomendable y un quinteto de cuya fuerza nos gustaría tener la oportunidad de disfrutar en directo.

* Más info: www.underpool.org/releases/moonstone/

LOS MUSICALES DE BERNSTEIN (AL RITMO DE PETER ERSKINE)

PETER ERSKINE and THE JAM MUSIC LAB ALL-STARS,

Bernstein in Vienna (Origin Records, 2024)

El acercamiento que hizo Leonard Bernstein al jazz en obras como West Side Story ha movido a muchos músicos a tocar sus temas y a perpetuarlos como standards. En el disco que estamos escuchando hoy, se revisan varios de sus temas más conocidos con una formación vienesa perteneciente a la JAM Music Lab University, dirigida por el pianista Danny Grissett y "protagonizada" por un invitado tan especial como es Peter Erskine, baterista cuya leyenda viene de largo (en formaciones como las de Maynard Ferguson, Weather Report, Steps Ahead o en sus 18 discos como líder). Al ritmo de su dilatada experiencia, estos temas clásicos de musicales de Broadway flotan con una fluidez adictiva en un universo (esta vez sí) puramente jazzístico. Lo mejor es que el álbum está grabado en directo.

El disco empieza de menos a más, con una delicada versión de "Somewhere" que, tras una intro meditativa, entra en el ritmo con el discurso del saxofonista Robert Unterköfler. Un solo de Danny Grissett con mucho juego e interesantes progresiones de acordes pone el piano en el centro del tema para llevar la tensión al punto en que percibimos esa contundencia con la que Erskine marca el ritmo sin abandonar su elegancia. El resto del álbum se mueve en la misma línea: elegancia, ritmo, mucho swing y solos acertados y limpios. 

Danny Grissett

En "I Feel Pretty" (también de West Side Story) destaca el protagonismo de la armónica (Bertl Mayer), con un solo muy intenso al que sigue, en contraste, uno de guitarra (Andreas Varady). En "It's Love" (de Wonderful Town) encontramos la grata sorpresa de un violín, uno de los instrumento menos frecuentes pero más excitantes del jazz. Cozy Friedel recorre todas las posibilidades de la melodía de Bernstein sobre el exquisito trabajo en los charles de Peter Erskine y de un efervescente Danny Ziemann al contrabajo. Le siguen nuevos solos de armónica, guitarra, piano... en un disco lleno de solos reivindicando ese jazz orgánico y visceral, lleno de all stars, que siempre defendemos.

Mientras "Some Other Time" nos deja ver el lado más íntimo de la banda, convirtiendo el tema en una balada casi callada, donde el piano habla en voz baja, a un ritmo lentísimo, y la batería susurra, "Lonely Town" (también del musical On The Town) y "Cool" (de West Side Story) continúan esa línea rítmica y clásica, con pequeñas sorpresas aquí y allá. El álbum solo incluye dos temas originales. Uno es la balada "Vienesse Summer", escrita por Grisset, y el otro "Calls and Hollers", un tema compuesto por Marcus Ratka que absorbe la manera de Bernstein de re-interpretar el jazz, con su dramatismo teatral y efectista (aquí la batería de Erskine juega un papel fundamental en un solo antológico). Este par de temas se mimetiza con el resto para redondear una obra perfecta en concepto (salvo por la ausencia de algunos temas muy conocidos) y muy placentera de escuchar. 

En resumen, Bernstein in Vienna es una celebración de los standards nacidos en los musicales de Leonard Bernstein con una estética jazzística que agradará a los más puristas.

* Web de Peter Erskine: petererskine.com

* Origin Records: originarts.com/

CANCIONES, CANCIONES, CANCIONES

MADERA VIVA TRÍO, Senderos (Microscopi, 2023)

Escuchamos con sorpresa el disco Senderos, firmado por Madera Viva Trío, formación ecléctica de la que podríamos decir que hacen canción-con-base-jazzística, canciones nuevas y clásicas de muy diverso origen que tienen detrás, para nuestra suerte, a tres instrumentistas que se expresan muy bien en esquemas propios del jazz: Vicenç Solsona, voz y guitarra, Pau Lligadas, voz y contrabajo, y Ramón Ángel Rey, batería. 

Ni Pau Lligadas ni Vicenç Solsona son cantantes de jazz (vaya por delante la advertencia) pero los solos de guitarrra de Solsona tienen un swing muy colorido, como demuestra en "Epigrama" o "Canço per Laura", y la sección rítmica lleva al terreno jazzístico todos los temas por muy pop que sean. En el repertorio escuchamos, entre algunas canciones originales, clásicos como "Qué será" (el tema de Jimmy Fontana que hizo popular en España José Feliciano) y la rumba "La curva del Morrot" (el tema de Gato Pérez que homenajea este lugar de Barcelona).

Foto: José Adalid

Destacaremos "Rápido analógico", un tema instrumental donde los tres músicos llevan sus instrumentos al límite jugando con los cambios de ritmo y respondiéndose unos a otros en un divertido juego que merece la pena escuchar. "Nora" es un tema de aire brasileño compuesto por Solsona y en el que la guitarra protagoniza todo el tema sincopando la melodía a un nivel fantástico, mientras los coros colocan al oyente en el marco bossa nova sin dificultad. A destacar el solo de contrabajo (Lligadas), que hace suya la melodía e improvisa con maestría. El tema termina con un juego de llamada/respuesta que termina con un espléndido solo de batería (Rey) que no se sale ni por un momento del lenguaje de la bossa. El disco termina con una emotiva balada compuesta y cantada por Eva Llorens. 

En resumen, Senderos es un disco original por el tratamiento jazzístico (en lo instrumental) que Madera Viva da a temas pop, rumbas, bossas... Tan sorprendente como estimulante. Recomendable. 

* Más info: www.microscopi.cat/product-page/senderos